Elena Requelme: "mi medio de expresión estética es la figura humana"

Elena Requelme es Licenciada en Artes Plásticas, recibida en la Universidad Nacional de Tucumán (UNT), especializada en pintura. Desde sus comienzos en su producción artística se podía distinguir una fuerte presencia de la estructura ósea y muscular de la figura humana. Esto se acentuó una vez finalizados sus estudios universitarios, cuando se dedicó a leer y estudiar anatomía. En 2016 publicó el libro "Estructuras ósea-artro- muscular del cuerpo humano en movimiento".

Desde el año 2006 se desempeña como docente en la cátedra Práctica de Taller I, correspondiente al primer año de la Licenciatura en Artes de la Facultad de Artes de la UNT. En el último tiempo suspendió su actividad plástica para dedicarse totalmente a la producción del libro. A fines del año pasado, una vez publicado, inauguró una muestra con un mural en alusión al medio ambiente en el Centro Cultural Virla. Antes de finalizar el año oficializó la donación de un cuadro conmemorativo al Bicentenario de la Independencia Argentina para el Rectorado de la UNT.

El proceso de armado y edición del libro duró ocho años; Elena destinaba sus vacaciones de la docencia para dedicarse de lleno. La edición la realizó ella misma y costeó la impresión con sus ahorros más un crédito que tomó para afrontar los altos costos.

¿De dónde surgió la idea del libro 'Estructuras ósea-artro- muscular del cuerpo humano en movimiento'?

Siendo estudiante, dibujaba naturalmente la anatomía del cuerpo. Consultando libros de anatomía en la biblioteca de la facultad, observaba que los libros de anatomía médica, brindaban conocimientos científicos muy detallados para alumnos de arte. Los libros de anatomía artística no ponían el acento en estudiar y mostrar la anatomía del cuerpo en el movimiento. Me parecía, como alumna que necesitábamos anatomías que establecieran un nexo entre el conocimiento científico esencial del cuerpo y la pose académica del taller, donde el modelo posa y cada parte de su cuerpo se encuentra realizando un determinado tipo de movimiento. Pero esto sólo era un pensamiento, mi punto de vista del estudio de la anatomía en ese momento de mi formación académica.

Cuando terminé la Licenciatura, años 1993 y 1994, inicié mis lecturas de la anatomía del cuerpo (ya siendo egresada de la Licenciatura en Artes). Seleccioné y registré los conocimientos que me parecían que a un artista le resultaban necesarios, no pensaba en que editaría un libro.

Cuando volví a la Facultad de Artes, en el año 2006, ya como docente adscripta, vi que mis conocimientos anatómicos eran muy útiles al alumno de primer año de la Licenciatura en Artes y, estimulada por la Sra. Decana, en ese momento Dedé Chambeaud, y docentes de trayectoria en la Facultad, decidí hacer un recorte del texto base de los años 1992 y 1993. Centré el estudio en la anatomía del tórax y los miembros superiores.

¿Cuál es el nuevo aporte de esta anatomía artística, a diferencia de las que ya existen en el mercado?

La idea, desde el génesis de su realización, fue estudiar y mostrar el cuerpo en el movimiento. Es una anatomía que aporta el estudio del tórax y miembros superiores y cómo cambia su morfología al producirse el movimiento. Se describe sintéticamente forma, dirección y ubicación de huesos, músculos y articulaciones, pero el énfasis está puesto en mostrar qué pasa con ellos cuando se produce el movimiento. Así se analizan entrantes y salientes óseas y musculares del cuerpo, en reposo y en actividad.

Resumiendo, este libro está realizado desde el lugar de quién dibuja la figura humana y de la docente que enseña a ver y representar la morfología del cuerpo. No soy una anatomista, ni una escritora. Mi gusto por el dibujo y la enseñanza de la figura humana me llevaron a escribirlo e ilustrarlo.

El libro se compone de cinco capítulos en los que se aborda cinco instancias diferentes del dibujo del cuerpo. El primero desarrolla contenidos referidos al dibujo de la figura humana, diferencias morfológicas entre el hombre y la mujer, cánones de representación, un posible método de representación. Se presentan planteos estructurales que captan el movimiento del cuerpo, cuidando siempre las proporciones del mismo, en poses de taller y libres. El segundo presenta breves nociones de osteología, artrología y miología. Mientras que en los últimos tres se aborda el tórax, los hombros y los miembros superiores. 

¿Por qué eligió la figura humana como tema central de su obra?

En mi producción artística el eje de la creación, mi medio de expresión estética es la figura humana, con una fuerte estructura ósea, articular y muscular. El proceso creativo se fue enriqueciendo con  los temas que me sensibilizan y que tienen que ver, a veces, con mi propia humanidad o con la realidad del ser humano en general: la religiosidad, lo social, la cultura, el medioambiente, la filosofía.

Es una humanidad que se busca a sí misma,  que intenta comunicarse y entenderse. Por un lado, a través del  juego de miradas. Miradas que interrogan, que cuentan, que reclaman, que esperan, que creen. Por otra parte,  por medio de la expresión de sus cuerpos en continuo movimiento. 

La representación del ser humano, es casi siempre en grupos, maximizados, minimizados, aproximados, apoyados unos con otros. Figuras humanas completas, parciales, ojos de miradas profundas, rostros pensantes, manos que expresan, con un detallado trabajo de las estructuras óseas, articular y muscular.

¿En qué está trabajando en este momento?

Me hubiera gustado poder, hoy, dar continuidad a la anatomía ya realizada, que se podría considerar como la parte I. En borrador se encuentra la parte II, “El estudio y representación de cabeza, manos y pies” y la parte III, “El estudio y representación de los miembros inferiores”. Por el momento, por razones de costo queda pendiente su realización.

Desde fines del año pasado retomé mi producción artística, ya editado y presentado el libro. Comencé a trabajar en la temática del cuidado y conservación del medioambiente, de la que todos deberíamos tomar más conciencia y tratar de enseñar a los niños, muy especialmente, pues son las futuras generaciones de este planeta.

En agosto del año pasado realicé una muestra en el Centro Cultural Virla, en la que presenté un mural sobre las diez especies en mayor peligro de extinción en el mundo. Realizado sobre lienzo, sin imprimar, con la técnica de pincel seco. Se trabajó sólo el claroscuro. Mide 2,50 metros de alto y 6 metros de alto.

En este momento estoy trabajando en una serie en la que los protagonistas son dos especies pequeñas de animales, bellas y muy vulnerables: los picaflores y las mariposas. Los picaflores, están extinguiéndose por la destrucción de sus hábitats y las mariposas (monarca y azul, entre otras) por el cambio climático. También, se representan especies de flores en extinción, como las orquídeas. Los tamaños de las obras oscilan desde obras de grandes dimensiones (1,5x2 metros), a obras pequeñas.

¿Cuáles son los proyectos para este año?

Quisiera poder concretar la parte II, de la anatomía de cabeza, manos y pies. Espero poder realizar la presentación del libro ya editado, en otras provincias, darlo a conocer en escuelas, institutos o facultades de artes, pero todo es muy dificultoso, por costos, tiempo y sin descuidar el trabajo docente.

Otro proyecto es realizar la exposición de las obras con la temática del medio ambiente, en algún espacio cultural de la provincia u otra provincia.

Como docente, ¿dónde crees que deben hacer hincapié los nuevos artistas?

Creo, es mi humilde opinión, que los estudiantes de artes, futuros artistas, no deben restar importancia y tener seguridad en tres aspectos. Uno de ellos es tratar de conocer y dominar las técnicas tradicionales de dibujo y pintura. Esto es válido, para quienes estudian grabado y escultura, con sus respectivas técnicas. Sobre este conocimiento de base, incorporarán todo lo que quieran después. El otro implica un compromiso con sus propias ideas, pensamientos, sentimientos, una conexión con su interioridad, desarrollando al máximo su creatividad. Y lo más importante, el hacer continuo, la producción artística es un proceso. Hay avances y retrocesos. En este proceso es necesario perseverar y confiar en las propias posibilidades de expresión, hasta encontrar el propio estilo.